 |
 |
 |
 |
|
 |
  |
  |
| DOSSIER |
|
|
| Titre | ||
|
On perçoit souvent comme mythique cette période du cinéma des premiers temps - période plus ou moins correctement attribuée au cinéma d'avant 1915 - où l'invention et l'expérimentation des formes et des techniques étaient à leur plus haut degré d'effervescence. Cinéma primitif, balbutiements du langage cinématographique moderne, «drôlerie» ou simple objet de curiosité sans fondement intellectuel: les qualificatifs à son endroit abondent et, plus que jamais, la lecture du film dépend de son institution. Définissons d'abord nos termes et décrivons «l'institution» comme une sorte de pouvoir normatif ou de réseau symbolique structurant un faisceau de déterminations. De cette constatation, appliquée au film, naît une toute nouvelle façon d'aborder le cinéma par la «sémio-pragmatique», telle que définie par Roger Odin. Analysant le rapport entre le spectateur et le film en soumettant la réception des «signes» au contexte culturel et institutionnel du spectateur, Odin définit la production de sens comme «la lecture d'une image [n'étant] pas le résultat d'une contrainte interne, mais d'une contrainte culturelle (1)» où «les sujets producteurs de sens (réalisateur et spectateur) ne sont pas libres de produire le discours qu'ils veulent parce qu'ils ne peuvent s'exprimer qu'en se pliant aux «contraintes discursives» de leur temps et de leur milieu (2)».
C'est ce lien entre le film et son spectateur, appliqué au cinéma des premiers temps, que nous recherchons ici en tentant de démontrer, comme le voulait Odin, que «la production de sens au cinéma est majoritairement réglée par des déterminations externes issues de l'espace social (3)». Limitant le champ très large du cinéma des premiers temps aux exemples, non pas les plus représentatifs, mais sans doute les plus spécifiques et les plus cités, de Louis Lumière, Georges Méliès et Edwin Porter, il sera intéressant de se questionner et de se pencher, autant par la composition des cadrage, du montage que par la narration, sur la façon dont une institution génère le conditionnement du spectateur et du film. 1.Cadrage et mouvement Nous pouvons alors faire ressortir deux tendances du cinéma des premiers temps. D'abord, le cinéma de fiction de Georges Méliès aborde le réel représenté d'un point de vue théâtral. Il s'attache à un monde fantaisiste construit autour d'un point de vue unique et frontal, présentant la vision théâtrale par excellence (l'orchestre) d'où le spectateur, conditionné à la représentation offerte par son expérience des planches, parvient à suivre les tableaux indépendants des récits de Méliès. Les mouvements de la caméra y sont inexistants et le travelling de son VOYAGE DANS LA LUNE [1902] n'est possible que par le déplacement de l'objet filmé (la lune) vers la caméra, et non l'inverse. La scène théâtrale étant construite par unité de l'espace, le hors-champ y est inexistant.
Louis Lumière voit les choses différemment, nous présentant un point de vue plus documentaire. L'obligation de la frontalité y est évacuée alors que la caméra recherche davantage le point de vue privilégié, plutôt que le point de vue théâtral. Mais tout comme Méliès, la caméra reste statique, l'action reste généralement cadrée en plan d'ensemble, sans variation d'échelle, et le hors-champ n'y est que peu sollicité. THE GREAT TRAIN ROBBERY [1903], d'Edwin Porter, se différencie toutefois, à quelques niveaux, de cette première version du cinéma. Certes, sa caméra, mis à part quelques légers mouvements pour suivre les personnages, reste généralement statique. Par contre, la séquence finale du film a la spécificité d'exploiter la profondeur de champs, alors que les justiciers, placés à l'arrière-plan, glissent tranquillement vers l'avant-plan pour abattre les brigands. Le plan final, des plus inusités, vient alors détruire l'unité de l'échelle de plan, passant du plan d'ensemble, uniforme depuis le début, au plan rapproché-poitrine d'un des brigands qui, en regard à la caméra, tire vers l'auditoire (chose «tabouisé» dans le cinéma narratif classique qui suivra). Bref, le spectateur et le cinéaste, conditionnés par leur expérience de l'unité d'action et d'espace théâtral, sont limités, autant dans le travail du mouvement de la caméra, suscitant un hors-cadre, que dans le choix du point de vue, à un apprentissage et à un contexte de cognition dont ils ne sont pas maître. Le film de Porter, compris dans une institution différente, soit celle de la tradition du film de poursuite, demande donc un effort différent de la part de l'auditoire et un apprentissage, inconscient ou non, d'un langage filmique ne se limitant plus au cadre, ni à la surface bi-dimensionnelle de l'écran. Georges Gaudu en dit: «C'est, au total, l'étoffe même et le processus de notre expérience subjective du monde qui se sont révélés préhensibles, à l'ère de la chronophotographie/cinématographie, en tant que matériaux d'élaboration poétique et critique (5)». L'utilisation plus ou moins soutenue du montage rend encore plus pertinente cette démonstration.
2.Le montage Certes, le cinéma de Lumière ne fait que peu d'utilisation du montage, comme nous venons de le voir. Il ne fait souvent que choisir le point de vue idéal pour montrer ce qu'il a à montrer, de façon statique. Il n'y aura donc que changement de point de vue entre les films (et non entre les plans). Méliès, par contre, utilisera le montage, mais de façon discontinue, c'est à dire que la juxtaposition des plans évacue l'effet relationnel entre eux. Les plans ne constituent alors que des tableaux indépendants (ou autosuffisants) et fixes, collés ensemble sans raccord et sans continuité dans l'espace, ni dans le temps. La continuité ne sera que thématique, alors que les plans juxtaposés viennent raconter, de façon linéaire mais discontinue, une histoire fantaisiste. Le travail du montage viendra toutefois prendre des proportions fort différentes dans le film de Porter, alors que THE GREAT TRAIN ROBBERY juxtapose les plans avec un effet de continuité et de relation entre eux. La continuité de Porter sera dite «trajectorielle», alors que le changement de lieu est défini par la trajectoire du personnage. Nulle coupe dans l'action, comme le fera plus tard Griffith, ni mise en attente de la satisfaction du spectateur. Le personnage unit les plans et le mouvement s'enchaîne avec le changement d'espace.
Toutefois, la continuité trajectorielle de Porter se différencie de celle habituellement attribuée au cinéma des premiers temps (par exemple dans RESCUED BY A ROVER [1905], de Hepworth) alors que le changement d'espace pourra s'effectuer en alternance. Ainsi, la fuite des brigands, sortant du cadre, ne verra pas sa réapparition à l'intérieur d'un plan suivant avant que ne soit dévoilé le plan de la petite fille qui réveille le gardien de la gare inconscient et le plan des danseurs qui, avertis de la catastrophe, se bousculent pour poursuivre les malfaiteurs. Ainsi, la coupe n'est pas effectuée à l'intérieur de l'action du plan, mais entre les plans complets. Porter assure ainsi la continuité spatiale, à l'instar de la continuité temporelle qui ne trouve toujours pas son importance et sa nécessité dans le film de poursuite. D'où l'exploitation de ce qu'on appelle aujourd'hui le «faux-raccord» ou le chevauchement temporel, alors que l'unité et la continuité de l'action dans l'espace l'emportent sur la construction du temps, qui trouvera son plein potentiel chez Griffith. On ne parle donc pas de norme à la continuité, mais d'une pratique culturelle et institutionnelle qui, même si elle semble aller de soi dans le cinéma narratif classique hollywoodien, ne le faisait certes pas dans le théâtre fantaisiste de Méliès ou dans le film de poursuite de Porter. Ainsi, pour Noel Burch: «The fact that once these two shots were filmed [in LIFE OF AN AMERCIAN FIREMAN], it was decided to connect them in a manner implying an obvious non-linearity rather than disturb the unity of the spatial viewpoint, seems to me to say a great deal about the alterity of the relationship these early films entertained with the spectators who watched them. Does it not suggest that the feeling of being seated in a theatre in front of a screen had, for spectator then, a sort of priority over the feeling of being carried away by an imaginary time-flow, modelled on the semblance of linearity which ordinary time has for us? (6)» C'est dire que l'expérience spectatorielle de la continuité, moins le fait d'une obligation que d'un apprentissage, reconnaît la construction du spectateur, qui est et restera toujours précédé du langage particulier de son contexte social et culturel. Autant dans le montage que dans la narration, le spectateur est un spectateur formé, consciemment ou non, et dont la spectature dépend d'une acceptation réciproque, entre lui et le cinéaste, d'un monde diégétique représenté selon certaines règles langagières préexistantes. C'est l'institution cinématographique. 3.La narration Au contraire, Méliès
nous offre une façon différente de présenter
le micro-récit en le juxtaposant, par le montage, à
d'autres plans autosuffisants (tel que décrit plus haut).
On parle alors d'une narration par tableaux, se distanciant de la
monstration en racontant une histoire mise en scène, mais
dont les différents tableaux n'en demeurent pas moins autosuffisants.
Peut-on alors parler de micro-récit? Gaudreault et Gunning
semblent croire que oui en affirmant que dans «le mode d'attractions
monstratives, chaque plan est implicitement considéré
comme une unité autonome et autarcique et la communication
entre les plans, lorsqu'il y en a plus d'un [comme chez Méliès],
est réduite au minimum lorsque même elle est présente
(9)». Porter pousse la narration
vers d'autres limites alors qu'il fait du montage, quoiqu'à
un niveau différent de ce que fera plus tard Griffith dans
BIRTH OF A NATION [1915], le narrateur par
Autre élément de la narration, l'acteur du cinéma des premiers temps présente des caractéristiques institutionnelles dont la lecture se voit considérablement modifiée lorsqu'on change d'espace institutionnel et contextuel. Ainsi, le jeu théâtral outré des comédiens de Méliès et la dénonciation de la présence de la caméra par le regard au spectateur (Lumière et Porter), s'ils sont lus comme une déviation ou une aliénation de la présence narrative dans l'institution du film narratif classique, sont considérés comme une constante et une curiosité normalisée pour le spectateur de 1895-1905. Autre figure typique au cinéma des premiers temps, le bonimenteur, narrateur par excellence, se plaçait debout, à côté da l'écran, pour venir narrer le film en l'expliquant ou en lui donnant un sens ou une interprétation dépendants du contexte de projection ou de l'idéologie de la société et du bonimenteur en présence. Pour André Gaudreault et Germain Lacasse, «la fonction narrative du bonimenteur est inséparable du contexte historique, politique et culturel dans lequel apparaît le cinéma des premiers temps, et elle est l'une des caractéristiques qui font du cinéma des premiers temps une pratique culturelle préinstitutionnelle (10)». La pratique du boniment prouve donc «l'appropriation culturelle» du film par le spectateur de l'époque, alors que par son histoire, le narrateur (bonimenteur) créait une nouvelle lecture du film, indépendante du contexte de production et externe au film, «flattant la petite fibre patriotique» du spectateur. Le contexte de lecture du film crée alors sa propre réception et le narrateur-bonimenteur réduit presque toute distance entre le film et le spectateur. Le cinéaste Luis Bunuel, cité par Gaudreault et Lacasse (p.280), résume ainsi: «Le cinéma apportait une forme de récit si neuve, si inhabituelle, que l'immense majorité du public avait beaucoup de peine à comprendre ce qui se passait à l'écran, et comment les événements s'enchaînaient, d'un décor à l'autre. Nous nous sommes habitués inconsciemment au langage cinématographique, au montage, aux actions simultanées ou successives, et même aux retours en arrière. À cette époque-là, le public déchiffrait difficilement un nouveau langage. D'où la présence de l'explicador [bonimenteur]».
Le regard à la caméra
typique à Si nous n'avions qu'une seule chose à retenir du cinéma des premiers temps, c'est bien la définition d'une impossibilité à définir l'histoire du cinéma en tant qu'évolution téléologique, vers un langage-roi en phase de construction. Le cinéma des premiers temps, loin de se limiter aux simples balbutiements d'un Grand Cinéma en cours d'évolution, constitue un moment, une institution, dont le contexte de production et de réception conditionne la lecture du film et sa création de façon externe. Il est l'objet d'un contexte qui le précède et dont dépendent autant les spectateurs que les cinéastes. Certes, la création et la lecture ont besoin d'images analogiques, choisies et organisées par un artiste. Mais à quel point cette lecture et cette construction sont le fait d'un ancrage institutionnel appris et conditionné par des dispositions d'esprit et par le contexte socioculturel d'où émane l'activité cinématographique? C'est dire que pour Gaudreault et Gunning: «Les modes de pratique filmique consisteraient en un système de règles et de normes qui contribuent à mettre en place une série cohérente d'attentes sur la manière dont un film devrait fonctionner. Ces diverses attentes seraient la principale détermination des différentes décisions stylistiques de la part du cinéaste et de la compréhension du spectateur (12)». Ainsi, il est possible de croire que la pratique discursive d'une époque présuppose la lecture et l'écriture de l'oeuvre. Et de même que le spectateur de 1905 ne parviendrait sans doute pas à lire le cinéma «d'illustres inconnus» tels Godard ou Spielberg (ou du moins en offrirait-il une lecture toute autre), la lecture du cinéma des premiers temps par le spectateur moderne institutionnalisé est fort différente de celle qu'en faisait le spectateur de 1905, et elle se modifie à l'intérieur même de l'institution, selon le positionnement du spectateur (professeur, spectateur-consommateur, psychotroniques, etc.). Le spectateur est donc un être construit et, plus que tout autre, Odin et sa sémio-pragmatique l'a bien compris. «Il [faut] se transporter dans l'esprit de l'époque, penser selon ses concepts, selon ses représentations, et non selon sa propre époque, pour atteindre de cette façon à l'objectivité historique (13)». Et sur ce point, nous ne pouvons que fatalement constater que l'éloge de notre cinéma moderne est condamné à devenir le primitif du cinéma des prochains siècles (si prochains siècles il y a...).
Bibliographie sommaire : DUPRÉ LA TOUR, Claire (dir.), Le cinéma
au tournant du siècle/Cinema at the Turn of the Century,
Québec/Lausanne, Éditions Nota Bene et Éditions
Payot Lausanne, 1999, p. 17-32. Lumière, Méliès et Porter
|
||
| Émile Baron | ||
excellence.
Il tentera alors de faire alterner les événements
autant par le montage entre les plans que par le travail de la continuité
narrative dans l'espace. Plusieurs lignes de choc se succèdent
alors en alternance (sans coupure dans l'action) et le monteur devient,
dans le film de poursuite, le méga-narrateur décrivant
l'action. L'institution et le conditionnement spectatoriel déplacent
donc l'instance narrative du monstrateur vers le méga-narrateur
et la perspective spectatorielle change d'espace et de contexte.
Ainsi,
la lecture, autant dans la narration filmique que dans la pratique
du boniment, se voit conditionnée par des pratiques et une
institution externes au film pris indépendamment. Comme l'a
d'ailleurs dit Jacques Aumont: «L'objet de l'historien n'est
pas tant le film que les lieux de projection, les modes, les formes,
les types, les idéologies, avec une constante tendance à
y lire le jeu de modes plus vastes et d'idéologies plus profondes
(11)».
|
|
|
|
|
|
|
|